《剑桥艺术史：19世纪艺术》读后感精选
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《剑桥艺术史：19世纪艺术》是一本由唐纳德·雷诺兹著作，译林出版社出版的平装图书，本书定价：25.00元，页数：137，特精心从网络上整理的一些读者的读后感，希望对大家能有帮助。 《剑桥艺术史：19世纪艺术》精选点评： ●19世纪复杂的社会政治文化变迁之下，产生了丰富的艺术流派和运动，我个人很喜欢浪漫派的风景画和工业革命带来的工艺美术运动。书中对作品的辨析简洁而切中要害，让人深受启发。 ●高更也好，凡高也罢都太过简略了 ●可能想涵盖的内容过多，所以基本都是蜻蜓点水。很多内容缺少配图，还要上网自己查，有些还查不到 ●作者每个派别都说了一点，所以都很大略，另外这一本的图片编辑很不认真！图片位置乱放，而且文中很多重要图片都没有。篇幅有限，不好展开吧可能是。新艺术运动的图片和样例都没有代表性，算了算了，就这样了。。。这个剑桥系列，看下来也就一两本可以 ●内容较为充实，但配图较少。 ●新古典主义和浪漫主义掐吗？论崇高的伯克影响了威廉布莱克？和几个画作？拜伦勋爵讲过淫荡的皇帝萨达那帕勒斯的故事，诗《萨达那帕勒斯》给本世纪的宠儿德拉克洛瓦的画影响。培根职与趣合何其乐也。库尔贝画室。罗塞蒂喜欢布莱克。前派的莫里斯怎么社会社会了？金黑色之夜的颜色稀奇叹稀奇！美国惠斯勒创作的孔雀厅有凤来仪！！瓷国公主。莫罗的莎乐美。最爱的19世纪。是约瑟凡·佩拉当双性人。 ● 喜欢戈雅和罗丹这两位恐怖艺术先驱 后印象派的几个人因为看了《梵高传》还挺亲切的 提奥真爱 ●19世纪艺术蕴育了很多流派，艺术家从各个历史时期的艺术品汲取灵感，探索新风格。很多艺术家和流派间互相影响，加上工业革命的开始，形成了艺术形式最为多样的一个时期。 ●开始精彩了！ ●就像2001太空漫游最后部分，艺术史达到了高潮！ 《剑桥艺术史：19世纪艺术》读后感(一)：总归是英国人的视角 感觉还是太简单的介绍，入门级或大众级。对于很多艺术家的介绍也是蜻蜓点水，作品的选录也不太多，而且很多画和雕塑不太清楚，可惜。 英国人写的总是偏重英语国家的艺术家，而19世纪恰恰是大陆国家人才倍出。光法国，其实就可以写上一大本。 羡慕法国的小朋友，可以去博物馆美术馆上课，从小接触真迹。 《剑桥艺术史：19世纪艺术》读后感(二)：美中不足 可惜一点，书中提及的人名缺少英文或者对应的法语德语写法。因为中译的外国人名是没有一个特别明确的标准的，不同书籍中人名的译法并不同，所以常常让人觉得对不上号。 现在就发现这么多。 可惜一点，书中提及的人名缺少英文或者对应的法语德语写法。因为中译的外国人名是没有一个特别明确的标准的，不同书籍中人名的译法并不同，所以常常让人觉得对不上号。 现在就发现这么多。 《剑桥艺术史：19世纪艺术》读后感(三)：不比不知道 十多年前买过一套三册七卷的《剑桥艺术史》（中国青年出版社），这次又买了译林出版社2009的新版。两相比较，发现以下问题： 1、2009年的译林版在三册七卷的基础上直接改成了一卷一册，加上原中青版附录中的绘画欣赏部分，共8册，总定价180元（网上当然基本能买到去掉零头的那个价）是1994年中青版90元左右定价的一倍，其实比起其他商品的通胀程度，这点差距不算神马。 2、中青版中古希腊罗马和中世纪前两部分的译者为罗通秀，其余八分之六的翻译由钱乘旦完成，署名是二人合译。而新的译林版全部由钱乘旦一人翻译，署名也只有钱一人，两个版本的前两部分我比较了一下，译笔确实不同，这之中必有故事，感兴趣者可去探究。 3、老的中青版装帧朴素，甚至有些简陋，纸张差、印刷模糊。译林版改为大开本，装帧、印刷和用纸也更加讲究，原来的很多黑白图都换成了彩色的，这一点对于这类图书无疑是迈了一大步，虽然它仍然不能令你十分满意。 话说回来，无论是那个版本，这都是一套值得推荐的好书。 《剑桥艺术史：19世纪艺术》读后感(四)：一点想法 每个时代的艺术，就一定程度而言，正应验了Hegel的观点：即在否定之否定中完成某种上升。罗可可在18世纪大行其道，进入19世纪，反对那种轻佻的画风的创作风气也应运而生，并且实现了超越——那就是新古典主义和浪漫主义在这一百年中脱颖而出。 这是一个视觉艺术与审美复古的时代。所谓新古典主义，是指以明快的直线条、光滑的塑像式造型和分明轮廓中使用厚重色彩为内容，有意识地选择对象并表达健康的个性与道德感的创作潮流。这些新古典主义的作品，也像古罗马作品一样，意欲表达某种普遍和永恒的价值。质朴和庄严肃穆体现了他们对艺术源流的关照和高尚的艺术情趣。路易·大卫的《苏格拉底之死》就传达出某种崇高与神圣。这幅画中存在着一些现实真相的错误如古罗马拱形门的构造；但这不妨碍作品的艺术价值。用宗教的“画像法”来描绘非宗教的题材，这可被视作一种创举，然12门徒和“最后的晚餐”式的构图，更升华了苏格拉底为真理殉道的崇高。 浪漫主义这样的称呼其实并不稳妥。我们说有这样一种创作潮流，莫不如说艺术家们有渴望表达自己激烈而热情奔放的情感需求。体现在作品中，就洋溢着新时代的欢快。德拉克罗瓦、安格尔、戈雅等都是这个时期有代表性的艺术家。 艺术的感染力——我视之为艺术的灵魂。艺术作品如果丧失了感动观众的作用，那在现在这样一个时代，照片完全可以取代绘画。 而当我一路走来，似乎看见了“艺术死了”的无奈。有太多的艺术作品在形式上无法完成对前人的超越，《瞭望塔中的阿波罗》被多少雕塑家争相模仿，成为塑造男性形象的模范，终难逃脱原型的桎梏；《美地奇的维纳斯》又被多少画家模仿，成为艺术上难以摆脱的范式？有范式好啊，后来的艺术家，不需要太多的天才，只要勤奋临摹，中能完成艺术外形的高超。但正像我上面提到的，艺术的灵魂是感染力，模仿——终究不能达成对人内心震撼的结果。还记得巴洛克的风气刚盛行的时候，竟能出现在画前晕厥这样不可思议的事情——艺术家触及了人们深层的灵魂啊！ 所以这样看来，无论是什么主义，都不能代表艺术作品的程度。但某些主义倒确实对生活产生了影响。比如罗可可“风景如画”原则的影响下，纽约的“中央公园”就这样被建立起来了。 而到了后来，印象派似乎又是在浪漫派基础上的新超越。但其实印象派是源自现实主义的。印象派将绘画从学院式中解放了出来，并遵循“印象即永恒”的思维导向、“色彩和谐理论”，热衷于记录光色的明暗变化。莫奈1869年的《浅滩》和德加否有争议的《晨浴》应该都不陌生。时间轴再拉长，拿撒勒画派、拉斐尔前派、工艺美术运动、新艺术、象征主义和幻象派艺术等等真是纷乱了人们眼睛。 只有在后期印象派中，我才发现了我所向往了美，只因为他——文森特·梵·高——尽管后期印象派最后走向了象征派。梵高是孤独的，不理解他的人只说他是割掉自己耳朵的疯子；只有那些仰望星空默默流泪的人，才能发现一颗过早陨落的天才的心。 星期二，梵高死在他兄弟怀里。提奥始终未能从悲伤中恢复出来，五个月后，他在荷兰去世，年仅三十三岁。 提奥的死对于先锋派画家是一个损失，因为他懂他们的画，也知道如何招徕顾客，让他们理解后期印象派在19世纪末这个艺术转变时期所能做出的贡献。 想起毛姆的小说《月亮与六便士》——我们不懂艺术家，艺术家也不屑解释。 《剑桥艺术史：19世纪艺术》读后感(五)：自然与人的情绪表达美的感受。 19世纪的艺术，从新古典主义和浪漫主义开始，过度到新现实主义，以印象派运动为契机，发展了新的艺术形式。《剑桥艺术史：19世纪艺术》的作者主要介绍了这个时期的雕塑和绘画，内在的讲述逻辑是“艺术如何一步步发展至此”：艺术家和艺术家之间有交流，作品和作品之间便有了链接，即便有“印象派运动”这种不被当下主流学院派艺术认可的艺术形式，最终作品的线条、色彩、构图等重要因素的发展仍有迹可循。当然，对现时代的我们而言，19世纪的艺术是另一个璀璨的时期，其中每位画家、每个画派都值得细细研究。 从文艺复兴开始，古典主题与造型就一直是视觉艺术的基本特色。但新古典主义的不同之处在于，它有意识地选择对象，既排斥洛可可的浅薄，也否定巴洛克以假乱真的错觉构图。艺术家通过健康的理性和强烈的道德感，对希腊罗马文物中代表着高尚美德的形象加以复原并改造，由此而试图改造世界。这种为崇高的道德目标而否定洛可可的轻浮和巴洛克式狂暴的现象，在某些历史学家看来，正反映着18世纪末启蒙运动的理想已达到最高境界。 在雕塑方面，19世纪的艺术家对洛可可风格中所谓的轻佻与缺乏理性作出反应，试图在美学中树立真实、纯洁与庄严这些特质，他们认为这些品质都表现在古代最优秀的作品中。此外，恢复这些古典形式还有伦理方面的目的，即在纯洁艺术的同时纯洁社会。雕塑家要阐释人的精神需要，阐释他最细腻的感情，甚至他含糊的追求，和他对道德美与智慧美的看法。 浪漫主义雕塑与新古典主义雕塑的不同之处在于，它的主题表现热烈的感情，它的风格具有强烈而带夸张色彩的动作特征，往往用类似于速写的技巧加以表达。 其实我之前一直看不懂雕塑，只能感到大理石质地的压迫感。古代雕塑家在表现人类肉体时能够取得丰富多彩的表面效应与纹理，这在我看来，似乎是不可理解的。后来知道，雕塑的迷人之处在于本身就是物质（石头）和精神（作品）之间的纠缠。 在表达人类最崇高的追求时，感觉（真实）与灵魂（理想）是融合的。 关于19世纪的风景画，作者谈到，“人必须与自然相结合，自然与人的情绪及美的感受相关联，这些认识，现在清楚地表现在艺术家的尝试中，他们要表达对乡村的感受，而不是单纯对它加以摹拟；他们要传递对某一特定地区的情趣，而不是对整个自然的情感。” 对比此时期的透纳和康斯特布尔，一个擅长写形传神，一个擅长捕捉瞬间。但后者的画提出一个问题：“如何才能出乎其外？”每一件简单而转瞬即逝的事情中都有愉悦，也有持久的回报，这在事情发生时也许并不能充分被人意识到。但康斯特布尔的画却表明：在某种意义上，经验超越现状，引向追忆，哪怕仅此而已也罢。 这让我思考：在欣赏艺术时，能否把时代自身的局限性完全考虑进来？估计是不可能的。最有名的例子就是19世纪的“印象派”。比如看库尔贝的《村姑》这幅画，现在我们知道，巧妙地运用风景中的形象，以突出绘画中的社会意义，这种做法确实有效；但在库尔贝的时代，评论家认为他的画既丑又俗。他们不赞同他对传统风景画的否定，由于他不肯在画面上安放理想的人物和历史的题材，他在1852年巴黎美展上着实招致尖厉的批。这种不被当下文化环境重视的现象历史上屡见不鲜，是否有什么办法可以减少这种观赏的“局限性”呢？ 印象派，广义地说，这个词用来指画家在观察某一作画对象时所取得的第一个视觉影像。在这个意义上，它也用来指画家在画布上成功地捕捉到的整体效果。在狭义然而是较精确的意义上，学院把这个词当作“构思图”的同义语，也就是即兴自发的草图。在学院传统中，这种草图向来就只是完成绘画的一个步骤，因此，展出一幅在评论家看来只是草图的作品，就被看作不尊重学院关于正确地素描、造型与润饰的标准。 起初，印象派最关心的是：光照在自然物体表面时所引起的持续变化效应，以及如何将这种感觉转为绘画。这导致他们去分析局部色彩，即在始终变化的光照下自然物体的颜色。虽然他们发现局部色彩是由不止一种颜色组成的，观察到这一点并不是什么新鲜事；但他们对这种现象异常地关注，因而发展出独特的风格，即破碎的笔触和纯色的并列。 虽然印象派作品源出于现实主义画家的作品，但在一个重要方面却与它们很不相同——印象派主要感兴趣的是按照他们的观察准确地描绘对自然界的观感，并不想传递丝毫社会或道德信息。 |
